皆さんごきげんよう、駆け出しボカロPのIWOLIです。
貴方は歌を作れますか？
ボカロPには作詞も作曲も一人でやっている方はとても多いです。
ですが作詞は作曲全体の中でかなり異質な存在で、
作詞と作曲をどちらもこなすには違う頭の使い方が必要です。
また作っていく手順や方針によっては凄く苦戦したり、頓挫してしまうことも多いでしょう。
今回は「歌の作り方」をテーマに、スムーズでオススメな作曲と作詞の手順や方法、考え方についてお話ししていきます！
始めに用意するもの
作詞作曲の考え方の話をする前に、作詞作曲をしていくための材料を用意していきましょう。
なんかお料理みたいですね。
僕は個人的にここが一番重要だと思っています。
まずはこの段階で、以下の二つについて考えておきましょう。
- テーマ
- プロット
テーマ＝何を表現したいか？
まず外せないのがテーマ、その曲の意味や表現したいことです。
こちらは過去記事でもお話ししましたね。
これはこの後、どんどん作詞をしていく上での骨や核となります。
これ無しでは余程の天才でもない限り、「で、何が良いたいの？」という作品になってしまいかねません。
そもそも作っている最中で、「で、何を作れば良いんだっけ？」となって手が止まってしまう恐れすらあります。
更にここは作詞以外の、作編曲などについても強く影響する部分です。
初めて作るのなら猶更、テーマについては深く、詳細に考えてから動きましょう！
決めきれない場合は先の工程に進んでいって、
「そういえばここどうするんだっけ？」となった時に改めて詳細に決めなおしてもOK！
プロット＝どのパートがどんな役割を持つか？
テーマが出来たら曲展開の中で各パートが何を表現するかの筋書、プロットを作りましょう。
いわばテーマの細分化です。
ここは例をお見せしましょう。拙作、「イザヨイマーチ」です。
イザヨイマーチ / 知声,初音ミク
この歌は作詞をする際に、結構積極的にメモを残していました。
その一部がこちらです。
2番のAメロとBメロ（と言っても同じメロディですが）のメモなんですが、
「（）」が付いていない部分がメインの歌詞、付いている部分が歌詞にはしていないメモです。
歌詞の後ろに付いた文言に見覚えのある方はお仲間です！（ヒント：推しボカロP）
ここで見ていただきたいのは「■A2」「■B2」とかの後ろです。
「欠けてゆく・バズのピークを逃した」とか、「否定・批判・過小評価されている」、
これがこの部分の歌詞で表現したい、プロット、またはサブテーマとも言えるでしょうか。
自分で分かれば良いのでめっちゃ雑ですが、こうして「ここに何を書けばいいか」を決めておくことで、
それまでに比べてかなり迷わずに作詞を進められました。
曲展開の詳細についてはこれも長くなってしまうので以下の記事にまとめてあります。
またこのプロットに関しても全体のテーマ同様に、後から調整しても大丈夫ですよ！
作詞作曲全体におけるコツ
制作に取り掛かるための準備物が揃ったら、制作工程について考えていきましょう。
例えテーマなどが決まっていてもいざ作詞作曲となると、
「メロディが浮かばない…」「歌詞に合わせられるメロディが出ない！？」なんてことになってしまいます。
- 作る順序をあらかた決めておく
- 順番はいつでも変えて良い
作る順序＝歌詞・メロディなどをどのタイミングで作るか？
次は作る順序を決めるということ、具体的な計画ですね。
意外に思う人も居るかもしれませんが、どこから作曲を始めるかというのは人に寄って様々です。
歌詞から、メロディから、コードから、編曲から。
実は色んな所から始められて結構自由なんですよね。
なのでどこから作り始めるかというのを、吟味して先に考えておくと後がスムーズになるでしょう。
貴方の能力や表現したい内容・方法によってベストな作り方は変わってきますが僕のオススメは、
コード → メロディ → 歌詞
という順番です。
ここでも基本はこの順番で解説していきますね。
「コード進行からなんて作れるのかな…」
「既にあるメロディという縛りの中で合う歌詞を考えるなんて大変そう！」
と思うかもしれませんが、実はこれがむしろ良い軌道になってくれるんです！
作る順番については以下の記事で深掘りしてますのでそちらでご確認ください。
また、メロディという軌道上で作詞していく上で大切な考え方については作詞の章でお話しします。
順番はいつでも変えて良い
一方でこの順序は必ずしも固定する必要は無く、必要に応じて変えちゃっても大丈夫です。
例えば一曲のサビの中でも、
- メロディから作る
- 歌詞から作る
- メロディと歌詞を同時に作る
など制作中に変更することもあります。
特に作ってて難しいと感じたら試しに順序を変えるのは全然アリです！
コード・メロディを作る
計画は立てられましたか？ではいよいよ、作曲に移りましょう！
ここでは詳しい理論とかは置いといて、ササっと曲にしていく手順を説明します。
コード進行
まずは先ほどオススメした通り、コード進行から作っていきましょう。
と言ってもコード進行は作るというより、採用すると考えた方が良いかもしれません。
何故なら、コード進行は定番の型や流れがかなり固まっていて、
作り出すよりも有名な進行を採用する方が上手く行きやすいためです。
例えば近年のトレンドの1つである、4 – 3m – 6m – 1を使ってみるのも良いでしょう。
より詳しいコード進行の使い方はこちらで解説しています！
メロディ
ではここにメロディを付けていきましょう。
コード進行にメロディを付ける時のコツは2点、
- メロディをヨコとタテに分ける
- 同時に鳴っているコード進行の構成音を優先的に使う
メロディをヨコとタテに分ける
メロディを「ヨコ」と「タテ」に分けるとは。
それはメロディをリズム面とピッチ面に分け、
- ヨコ：リズム（時間方向）
- タテ：ピッチ（高さ方向）
で別々に考えるという事です。
一見手間に見えますが、これによってリズムとピッチを同時に考える必要が無くなります。
加えて、リズムとピッチそれぞれが持つ役割やイメージを意識しながら、
「ここはシンプルにしたいから単純なリズムと変化の少ないピッチで」
「ダイナミックにしたいからシンコペーションと跳躍を駆使して」
と意図通りにメロディを構築していくことができます。
閃きに頼るより確実な気がしませんか？
この記事ではメロディをリズムとピッチに分け、システマティックにメロディを作る方法を、
前・中・後編に分けて解説しています。
同時に鳴っているコード進行の構成音を優先的に使う
もう1つのコツが、コード進行の構成音を優先的に使うということ。
ここで先に決めたコード進行が大活躍します！
これは例えば、コードが「C（ド・ミ・ソ）」を鳴らしている間は、
メロディに使う音を「ド・ミ・ソ」メインにしようという事です。
メロディもコードもピッチ（音高）の概念があるため、それら同士が食い違うような、
例えば半音の関係にある音を使ってしまうと、音が濁って歪な響きになります。
これをアヴォイドノートと呼びます。（不協和音に近い）
基本的にアヴォイドノートは避けることが望ましいですが、コード進行を後につけようとすると、
アヴォイドノートを避けると不自然な進行になり、進行の滑らかさを優先するとアヴォイドノートになって変になる、ということになりかねません。
コード進行を先に決めていると、コードより自由度の高いメロディでアヴォイドノートを避ける音を配置しやすくなるんです！
この方法についても、先ほどの記事の続きで詳しく解説しています。
このシリーズではコード進行が4 – 5 – 6m – 1 ですが、考え方の応用は出来ますよ！
注意！インスト曲との違い
このメロディを作る上で気を付けなければならないのが、インスト（歌無し）との違い。
言い換えると歌うのに適した構造である必要があるということです。
例えば、コード進行からメロディを同じような方法で作っている様子が以下の記事にあります。
ただこちらは歌の無いインスト曲です。そのため、息継ぎがありません。
歌ものを作る際には主に以下の点について気を付ける必要があります。
- 息継ぎ
- 音域
- 長さ
- 跳躍
ボカロであれば機械的に歌ってくれるから平気に思えるかもしれませんが、
これらの条件を破って良い曲を作るのはかなり難易度が高いです。
高速歌詞などの息継ぎ無し、細かい歌詞連打はそれでインパクトを出せる事もあります。
一方で一音一音があまりにも短いとちゃんと発音できなかったり、
音域が極端過ぎて言葉かどうかすら分からなくなったりという事もありえます。
鵜の真似をする烏になる恐れがあるという事ですね。
特にキャッチーに聴かせて覚えやすくしたいサビなどは、歌らしいメロディにするため注意を払う必要があります。
息継ぎの時間（休符）を設ける、丁度いい音域に収める、長過ぎず短過ぎない音符にする、跳躍（離れた音に飛ぶ）の頻度はほどほどに、と言ったところには特に注意しましょう！
歌詞を作る
メロディが出来たら遂に今回のラスト！作詞へ行きましょう！
ここで一気に音楽から国語的な言葉の話になり、難航される方も多いかもしれません。
更にかなりクリエイティブで、無数にある言葉から良い歌詞を捻り出す方法を解説するというのはいささか無理があるのも事実…
なのでここではあくまで、作詞を少しでも楽にする考え方や方法をお話ししようと思います。
作詞のコツ：作詞は作文ではない
まず一番にお話ししたいのが、作詞は作文とは違うということ。
突然ですが皆さん国語って得意ですか？
僕はダントツで大の苦手でした！
なんでしょうねあの、
「言葉はみんな日常的に使っているんだから分かるでしょ？書けるでしょ？」の雑なノリ。
ですが作詞は違います。例え作文が出来ても、作詞が可能とは限らないでしょう。
童謡やみんなのうたみたいなヤツならまだしも、イマドキな歌にしようと思ってもダサくなっちゃうことってありませんか？
その理由を挙げると、
- 文字数ではなく音節数で数える
- 文字数（音節数）が極端に少ない
- 文法を無視できる
といったことがあると思います。
文字数ではなく音節数で数える
まず僕がとても重要だと感じている部分が文字数と音節数です。
国語においては、40文字以内で答えヨとか、100文字以内で説明せヨとか、24文字で抜き出セとか
うん、吐き気がしますね！
一方音楽における文字数はちょっと話が違ってきます。
まずそもそも歌においては文字数では数えません。
例えば「わたし」という言葉なんて、漢字にすれば「私」で1文字で済みますが、
歌では基本的に「ワタシ」と複数の音節になります。
更にこれがややこしくも面白い所なのですが、「ワタシ」の音節が3つとは限らないんです。
例えばこちら、DECO*27さんの「キメラ」サビをお聴きください。
DECO*27 – キメラ feat. 初音ミク
サビ冒頭の「あたしはあたしを発明したいの」、何音節で発音しているでしょうか？
ほとんど「…ターッｼわ ターッｼお」という発音になっていませんか？
1つ目の方だけ辛うじて小さな「ｧ」が聴こえるかな？くらいです。
多くても2音節か、次の音と重なって1.5音節くらいになってしまっていますね。
つまり、仮名表記の文字数と一致するとも限らないというわけです。
これが歌詞にする上で長さを考えるのに対し、難しくもなるし応用出来て面白くもなる部分です。
文字数（音節数）が極端に少ない
作詞においての文字数（音節数）は滅茶苦茶シビアです。
国語なら何十文字とか、作文なら400文字は書くような世界ですよね。
ですが歌は…？こちら、ツミキさんの「フォニイ」の冒頭1小節を数えてみましょう。
弱起（アウフタクト）になっているので、「”こ”の世」の「こ」は数えない事に注意！
フォニイ / phony – kafu [オリジナル]
「こ ”の世で造花よ” り」の「こ」「り」は違う小節になるため、1小節で発音しているのは、
「ノ ヨデゾーカヨ」となり、7音節相当です。（伸ばしをどうカウントするかでも変わりますが）
1小節で7音節ですよ？「この世で造花より」という、1文の半分にも届いていません。
区間あたりで言える言葉が物凄く少ないんです。
俳句にも近いと言えるかもしれません。あれも詩歌ですから。
でも考えてみればこれは当然です。4/4拍子の曲なら、4分音符なら1小節に4つ。
例え16分音符にしても音符は16個しか入りません。
16分で言葉を連打し続ける歌は、それこそ先ほどの高速歌詞としか言えません。
そう、超絶技巧が求められる、難易度の高い歌詞になってしまいます。
言い換えると、実際に現実的なメロディで歌い切れる音節数はそれよりかなり少ないです。
1小節あたりせいぜい10音節前後、8音節を下回ることも多いでしょう。
即ち、自然に思いつく言葉を言い切る時間は無いと思いましょう。
文法を無視できる
ではそんな超限定的な隙間でどう表現するのか？
その解決策、救済とも呼べるのが、詩は文法をある程度無視できるという事です。
また本来ならば必要な表現や説明を省略する事も許容されます。
拙作イザヨイマーチでも、文法はかなり無視し、表現しきっていない部分が多々あります。
（）が付いていない部分を繋いでみてください。
「毎夜毎夜 今を追えど 要だけを 零した様な」
「残る痣は どこで付けた？ 知らない過去の 未熟の末路」
何となく伝わるという人も稀におられるかもしれませんが、文章としてはハチャメチャです。
文だけでは主語が不明だったり、比喩した対象を記述していなかったり、かなり端折っています。
先ほどまでの、音節の自由度に加えてこの言葉の省略や強引な接続を駆使する事で、
メロディの限られた枠の中に言葉を当てはめた結果です。
ただしあまりに崩し過ぎると不可解過ぎるため注意です！
また自然な文法であることも素直さが魅力の歌詞になる点にも留意しましょう。
ではこれらを踏まえた上で、僕なりに作詞を進めていく方法をお伝えします。
手順①：言葉を集める
まずは歌詞を作るための素材として言葉をたくさん集めましょう。
要するに連想ゲーム、ブレインストーミングと言った感じでしょうか。
とにかくいろんな言葉を思いつく限り挙げてみましょう！
時には、表現したいテーマから一見かけ離れているような言葉も、繋げ方次第で意味が通ってしまう事もあります。
ここは特に国語的になるので苦手な方は正念場になりそうです…！
なにせ語彙力に加えて、それの意味を繋げて記憶から引っ張り出す必要があります。
先ほどの例、イザヨイマーチでは例えば、「毎夜毎夜」の後ろに「（繁く繁く）」と書かれていますが、これも沢山出した例の1つですね。
またこのメモの一番下には、思いついたけどどこにも配置されなかった言葉の残骸があります。
いわば歌詞の没です。
置く場所を考えたものもあれば、行く当てもイメージが湧かなかった物もありますね。
なんならこれ以外にも「置き場は考えたけど不採用の歌詞」はまだあります。
この段階でのコツは言葉は捨てる気満々で思いつく限り挙げていくことです。
捨てたくないからと1か所に1個ずつ挙げるのではなく別の言葉を出そうとすることで、
「もっと意図を伝えられる言葉は？」「もっとここの譜割りに合いそうな言葉は？」と、
前の言葉と比較して考えられるのが、より良い次の言葉を思いつく手がかりになります。
手順②：テーマが伝わる言葉に絞る
十分に言葉をリストアップ出来たら、言葉を選び抜いて行きましょう。
先ほど大量に出した言葉たちの中で、歌を作る中で適切なものをチョイスします。
ここで重要なのは主に2点です。
- テーマがちゃんと伝わるか？
- メロディの譜割りに合っているか？
当然ながらテーマに合う言葉でないとちゃんと歌が伝わりません。
またメロディの譜割りに合っていない場合、強引さや無理が出てぎこちなくなる恐れがあります。
例として先ほどの歌詞なら、「毎夜毎夜」か「繁く繁く」を比べた時に、「繁く」って言葉が意味をイメージしにくいのと、月がテーマなので「毎夜」の方が自然と判断しました。
また「◇メモ」欄の方に移した歌詞の大半は、文字数的に入れる場所がないと判断した物が多いですね。
最後に紹介する「メロディを手直し」した結果、場所が無くなったのもあった…と思います（うろ覚え）
手順③：無理が出た部分を置き換えられる言葉が無いか探す
言葉を選び抜いても、それでもちょっと厳しい事もあると思います。
そんな時は言葉を置き換えて、意味はそのままメロディに合わせられるか試しましょう。
例えばイザヨイマーチのサビで「欠いた月に首をもたげる（僕を重ねる）」という歌詞がありますが、
この冒頭は最初「欠”け”た月」にしていました。文法的にはこっちの方が自然ですね。
ただこれでは「KA」「KE」「TA」と最初3文字で全てハッキリした子音の発音が必要です。
これが少しリズムが詰まるような感じがしたので、サラリと流せる「欠いた」という言葉に置き換えました。
文法は少し変ですが、2文字目から子音が消えるためリズムを不必要に止める音が無くなったと思います。
手順Ex：メロディに戻って手直しする
番外編としてメロディを直すという方法もちょっとだけお話ししておきます。
先にお話しした、「順番は変えても良い」という話ですね。
何を隠そうイザヨイマーチも、特にサビに関しては散々手直しをしております。
やはり良い歌詞を乗せられるメロディを一発で思いつけるとは限らないもの。
ただし注意点として、なるべく歌詞の変更で対処し、
どうにもならない部分だけメロディを変えるという方針にした方が良いと僕は思います。
理由は歌詞は自由度が高い割に思い付きに左右されるせいで、手の打ち方を迷ってしまいやすくなるためです。
また逆にメロディの方が自由度が低いので、歌詞に合わせようがないことも有り得ます。
メロディは基本的に固定する事をお勧めしますが、
思いついた歌詞がどうにも噛み合わない時くらいはメロディを変えるのも手ですよ。
ちなみにコードに関しては、後から練り直すことも悪くはないですが、
最初からいきなりやるには知識不足で難しいと思います。
冒険してみるのも悪くないですが、既にコードに合うメロになっていると思いますので、
こちらを弄るのは最終手段か、遊びか、中級車以上向けといった所でしょう。
歌詞をメロディを合わせて確認する
メロディに合った歌詞は出来ましたか？
それではいよいよ、ボカロ達に歌ってもらいましょう！
実際に歌声で聴く時ってドキドキしますよね！
この段階でも歌詞をより良くする方法がありますのでちょっとだけ紹介します。
実際に歌ってもらって確認する
実際に歌声で聴いて気づいた方もいらっしゃるかもしれませんが、
気を付けて考えたつもりでも、実際に歌ってみる事で問題が発覚することもよくあります。
意外とやってしまいがちなのが、譜割りがズレていて、変な所で区切ること。
単純に歌い方の指示を間違っている（ノートへの歌詞の割り当てミス）という事もありますが、
頭の中で考えたリズムがズレていることもあります。
こういった部分は実際に歌を聴きながら、もっと良い歌い方にするか、歌詞を変更していきましょう。
メロディと歌詞を行き来して調整する
またここでも歌詞だけでなくメロディを微調整することもあります。
例えば上下に動くメロディが楽器では問題ないのに、
歌だと想像以上にグラグラして不安になる、ということもあります。
そういった場合に
- 上下の移動量を減らす
- そもそも一定の音程にする
などの変更を加えるというのは全然アリです。
またこれはどちらかというと調声の話になってきますが、子音の出し方を変える事もあります。
「アナザーランド」という歌では「身に余る」という歌詞をそのまま入れると16分音符がクドかったので、
「 み に あ ま ”う” 」と「る」の子音を完全に抜いて歌ってもらいました。身バレしまくるVの人じゃないよ
結構大胆な変更かもしれませんが、ラ行の子音は比較的緩いと判断してやってみたら悪くない結果になった気がします。
この例はちょっと特殊でしたが、歌ってもらった時の違和感を細かく処理すればするほど、
より流暢で自然な歌にできますよ！
まとめ
今回の内容は以上となります、お疲れ様でした！
作曲に対して作詞はその自由度の高さから、とても解説が難しいと思っています。
日本語の発音だけでも50音を超え、言葉の数は数えきれませんからね…増え続けてますし。
その分、作詞に関しての解説は言葉の扱いというより、発音の配置の話が多い気がします。
もちろんそれもとても大切で、意識できるととても心地よいリリックが出来ます。
また人が歌っても歌いやすい歌詞にしやすかったりもしますね。
ただ一方で「そういうのじゃないんだよなぁ…」と思う方もいらっしゃると思うんです。
やっぱり自分なりに歌にして伝えたいことがあるけど纏まらないという人も少なくないでしょう。
今回はそんな方が歌詞をメロディに乗せるためを想定し、
テーマを伝える歌詞を捻り出し、メロディに合わせるという話を重視してみました。
作詞も作曲も一人でやることは、異なる能力をどちらも習得する必要があるというデメリットと引き換えに、
両方を自在に作り、いざという時はどちらも自力で変更できるというアドバンテージがあります。
思い通りに言葉を操るのはとても難しいですが、まずは一曲、自分なりの言葉で組み立てていきましょう！
それでは、オヤカマッサン～
